本番後の心持ちについて

ライブや発表会、人前に出て演奏することは緊張してドキドキすると同時に

非日常的で楽しい経験であると思います。

打ち上げで楽しく盛り上がり、思い出も出来て最高ですよね(^^)
またライブやろうぜ！イェイ♪

となったら音楽は止められませんね♪

逆に前回の記事でも少し触れましたが、
中には本番が上手くいかなくて

落ち込んでしまったり、もうコリゴリだ、

と感じてしまう方もいらっしゃるかもしれません。

真面目に取り組んできたからこそ、

うまくいかなかった時のショックは大きいですよね(~_~;)

そんな時は自分の中で色々思うこともあるでしょう。

しかしそれらは他人から見たら案外分からなかったり、全然気にならなかったり、
逆に良かったと思われることだってあります。

気にしなくて大丈夫ですよ(^^)/

「それでも落ち込んでしまうんです！

人前で演奏なんてコリゴリですー！
どうしてくれるんですか！」

という気質の方もいらっしゃるかもしれませんね。

身も蓋もない話ですが、そもそも

音楽というのは人と一緒にやるものだし、

最終的に人前で披露するもの

だという認識でいましょう。


そうでなければ四畳半ミュージシャンとして、

自分の世界でだけ楽しんでいれば良いのです。

少々辛口の言い方ですが、
必要以上に緊張したり落ち込むのは

自意識過剰、

もしくは自分に過度の期待をし過ぎ

という捉え方も出来るかもしれません。

家族や友人、先生等は別として、

他人は案外自分のことなど見ていません。

そしてこれは自分に言い聞かせる時もありますが、

翌日にまでは引きずらないこと!

本番の録音を冷静に聴き分析して、生まれた反省点を改善してまた次の本番に臨む、、

この繰り返しで上達していくものです。

長い目で見れば

必要な過程だった
と思えるわけですよ◎

さて、人によってはもう一つ落ち込む要因があります。

それは

他人と比較する

ということ。

くれぐれも他人と妙な比較をしないことです。

自分がそうだったので良く分かるのですが

私の経験上、ここの心構えがぶれると本当に良くない。

自分より上達が早い人を見て

「あの人は自分よりセンスがある」

と自分の解釈だけで受け取り落ち込まないことです。

人間は生まれてから今日までで、人生で積み上げてきたものがそれぞれ違います。

子供達での中でもそういった違いが生まれますし、

ましてや大人になってからは

それまでに培ってきた基礎知識や基礎能力に大きな違いがあって当然です。

そういった違いが物事の習得に差を生むのです。

こういった基礎的な違いは

「力量の違い」ではなく力の「方向性の違い」

と捉えるのが適切かと。

いくつかの音楽的事柄を誰かが自分より早く習得したからといって、

ドラマーとして、またはミュージシャンとして、

ましてや人間として自分より上だなどと簡単には決めていけません。

他のいくつかのことで、自分の方が早く習得出来るものがあるはずですので、
そこまでの判断をするのが早すぎるのです。

その一方、

人と自分を比べ世間を見つけ直し、

自分の位置を再確認することで

前に進むための原動力に変えられる

→そうすることで「向上心」を高められる

というならそれは健全な受け入れ方でしょう、

そういった環境が必要な方もいらっしゃるはずです。

少々壮大な言い方ですが

地球上にいる人間は皆歩んできた道が違い、心得てきたものが違います。

誰一人として自分と全く同じものを持つ人間はいません。

そんな中、人と人を比べ「どちらが上か」ということを決めること自体が非常に難しい。

答えが出るかどうかも分からないことだし、
仮に出たとしてもそれが「本当に正しい」のかどうかは誰も分からないのです。

結論、じゃあ自分に出来ることは？と言えば

自分自身を知りその可能性を信じること、自分の道を探すこと。

そして後は自分のペースでコツコツとやっていくこと。

これは自分もそうでしたが、

焦っていいことは何もありませんからね！

少々話が大きくなりましたが、今回はこんなところで！

参考にして頂ければ幸いです♪

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指導歴は俳優へのドラム演奏指導に始まり10年程、様々な年代のニーズに応えたレッスンを行っており、疑問を残さず基礎から上達していくレッスン内容に生徒様から大変好評を頂いております。

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発表会お疲れ様でした♪と「緊張」に対しての解決策について

先日は講師として参加させて頂いている

Roots Music School

の発表会が府中のバルトホールにて行われました♪

毎年参加される生徒さんの人数も増え、
規模も大きくなり今回は参加者だけで50名以上！


皆様Rock,Pops,Blues,Jazz,Gospelなどそれぞれの音楽を表現されていました。


全くの初心者や独学の状態から、
こうして大きいステージに上がって
人前で演奏出来るようになるって凄いことですよね♪



皆様素晴らしかったです。
楽しかった！
という声を沢山聞けて私も嬉しくなりました(^O^)



中には
「練習通りいかなかった・・・」
と落ち込む方もいらっしゃるとは思いますが、
少ないリハーサルと普段と全く違う環境での演奏で
ベストパフォーマンスを発揮するのは至難の業です(^-^;



私も昔そうだったのですが、
真面目過ぎたり完璧主義な気質の方ほど
落ち込んでしまう傾向にあるようです。


そういった方には本番は一回一回が生き物で、
人間は機械ではないので
そもそも不完全なものですよ、
ということはお伝えしたいですね♪



本番の経験を積み重ねることが一番の上達に繋がりますから、
そこも長い目で見たら必要な過程
だと捉えて楽しんでもらえたらと思います！






さて、よく頂く質問として

「緊張してしまうのですが、どうしたらいいですか？」

ということを聞かれますのでお答えしていきたいと思います。


結論、緊張は誰でもします(笑)

というとレッスンブログにならないので
解決策をいくつか提示していきます。





1.場数をこなすこと。

こればかりは経験がものを言うので、一番の解決策はこれなんです。

非日常的なことを経験する時には緊張をしますから、
あまりステージを特殊な場だとは思わないことも一つの考え方です。




2.不安要素は事前に無くしておく。

これは普段の練習の段階の話ですが、
出来るかどうか心配な箇所があると構えてしまうものです。

例えばあるフレーズが練習不足で出来るか不安な状態でいるとしましょう。
そうするとそのフレーズが曲中で近づいてくると、
(来るぞ来るぞ、、)
と気構えて前後のノリがハシってしまったり、とかね(^-^;


そういった不安定な要素は様々な角度から練習して潰しておくことです。
様々な角度、というのはレッスン等でお伝えしますよ♪





3.解釈の癖を変えること。

私達の脳の機能は欲しいものではなく、
欲しくないものに意識が向きやすいという性質があります。


ある有名な実験があります。


子供達にコップ一杯に入ったお茶を運んでもらい、一方の子供には
「こぼさないようにね！」
と言います。

もう一方の子供達には
「上手に運んでね♪」
と声をかけます。


これ、言っている内容は一緒ですが
「こぼさないようにね！」
と言われた半数以上の子供はこぼすのです。

一方で
「上手に運んでね」
と言われた9割以上の子供は上手に運ぶ、という結果が出ています。


人間の脳は
「~しないようにする」というより「~を出来るようにする」
という解釈の方が意識に刷り込まれやすいのです。


具体的な事例を挙げると
「ここのリズムパターンを失敗したりヨレないようにする！」
と考えるより
「ここのリズムを気持ちよくノレるようにするぞ♪」
と意識した方が良い結果に繋がり易い。


これは一つの例えでしかありませんが、人間の想像力はそれだけ凄いんです。

欲しい結果の方にフォーカスを当てましょう！




4.本番前に食事を摂ってみる

食事をすると血糖値が上がり、そのことが筋肉運動を助け、
更に集中力を保つと言われています。

もし血糖値が低い状態で激しいドラミングをすると、
筋肉が脳からの要求に応えられなくなり、
集中力が低下する場合も考えられます。

日常と同じように食事をして本番に臨むというルーティーン的な役割もあると思います。



しかしこれはドラマーに限った話で、
運動量の少ないパートの方は本番前に食事をするとかえって眠くなるらしい。。

本番前は食事を摂らない！
という考えの方も結構いらっしゃるので、
自分には合ってるな、と思われる方は一度試してみるといいかもしれません♪


私の場合このやり方は合っているので実践しています。




5.ガムを噛む


よく野球選手が試合中ガムを噛んでいますよね？
あれはガムが好きだから、
アメリカ人だから、
という理由ではなく(笑)


咀嚼という行為は心臓の鼓動とリンクするので（リズム運動）、
ゆっくり噛むことで上昇した心拍数を低下させ、
冷静に物事を判断できるようになります。


また噛むという行為は顎だけではなく、その顎を働かせる脳の運動にもなります。

そのため、ガムを噛む人と噛まない人では
集中力の差が出ていることも明らかになっています。


ガムを噛むことにはリラックス効果があるんですよね！


ガムを噛むことが許される場では試してみると効果アリかもしれません♪







以上です。

実は他にも色々ありますが今回はこんな所で(^^)/

ここぞの、緊張する！という場面で試してみてもらえればと思います♪




それでは発表会お疲れ様でした♪

次回も楽しんで頑張りましょう！

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「左手がうまく動ないのですがどうしたらいいですか？」という質問への解。

ご挨拶が遅れましたが、新年明けましておめでとうございます。

今年もブログ等で有益な情報発信をしていきたいと思います！
youtubeでのレッスンチャンネルも開設しようか検討中。

やはり動画コンテンツは文章よりも伝わりやすかったりしますよね(^^)
リクエストも受付中です！






さて、今回は左手の強化についてです。

よく頂く質問や相談に

「左手がうまく動きません！」

といったものがあります。
私も含めて右利きの方にとっては、
特に最初の頃はついて回る悩みですよね！

利き手ではない分パワーもスピードも落ちるのは必然であります。

更にリズムパターンの練習(俗にいう8ビートなど)では
右手でハイハットを沢山刻むことにより
左手との使用頻度に差が出てしまいやすいかと思います。




よく言われる定説は
「左手は右手の2倍練習すること」
と言われています。

もしその理論でいけばマッチドグリップで2倍、レギュラーグリップで2倍、
合わせて4倍練習することになり
無理をしたら左手が壊れてしまいます(:_;)






ということですぐに始められることとしては、

ルーディメンツを左手からスタートさせること！

取り組みやすいシングルストローク(1つ打ち)、
ダブルストローク(2つ打ち)から始めていき、
そこから発展させていくと良いですね♪


パラディドル等のルーディメンツは
元々左右交互に手順がくるものですよね！
(※ルーディメンツについてはまたブログ等で追記していきます)



3連符系の練習も左右交互にくるものが多いのでおススメです♪


応用して左右で行うエクササイズを片手のみでおこなうことも有効です！




こういった左手から行うスティックワークに
フェザリングを入れれば、
右手スタートの時とはまた違った
4way independence(四肢の独立)
の練習にもなります。

【※フェザリングについては以前の記事
→ドラミングのボトムを構築する方法
を参照ください】





以上、すぐに実践出来る左手の強化方法でした♪




有名なミュージシャンでも左手を鍛えるために

歯磨きを左手でやった、とか
吊革を左手で持つようにした、とか

日常の動作を左主体にしたエピソードも結構あったりするので面白いです(笑)




それでは、今年も宜しくお願い致します！(^-^)

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楽器に詳しくなるために

ドラムセットは点数の多い楽器です。

細かい部位やパーツも含めるとかなりの数になります。

自宅にドラムセットを所有してる方は少ないと思いますので、
趣味志向の生徒さん達を見ていると
楽器に詳しくなる機会が少ないように思えます。

そういったわけで最近楽器に関する質問をよく頂きます。

調節の仕方が分からない

どこがどういう名前か分からない

何が分からないかが分からない

といった具合です(^_^;)

たしかに練習、ライブ、レッスン等に行けば
もう組み上がっているドラムセットがあるのだし、

行ってセッティングして叩くだけ

と考えたら詳しくなりにくいかもしれません。

私も昔師匠の現場を手伝いに行かせてもらった時に、経験の浅い当時
「楽器を組み上げるのが遅い!」
と怒られたものです(^-^;

そこで今回、楽器に詳しくなるための方法としていくつか挙げますと、

・まず、スタジオに入ってドラムセットを全て分解してしまうこと(^^)

どこにどういうパーツがあって、どういう構造になっているかが良く分かりますよ!

勿論、分解した後はちゃんと元に戻しましょう（笑）

そうしてゼロから組み上げることで気付くことがあったりするんです!

・もう1つは

→Rhythm & Drums magazine (リズム アンド ドラムマガジン)

を読んでみること。

昔習っていた先生に言われたのが、

アメリカにはドラムの雑誌が4冊程あるが、日本にはドラマガ1冊しかない。
ドラマーならその1冊を読まなアカンで！

といったことでした。

確かに一理あります〜。

定期購読するかは人それぞれですが、
興味のある特集の時は読んでみると良いかもしれませんね！

・更にお金もかからず簡単な方法は
楽器のカタログを見ること。

楽器屋さんに様々なメーカーの物が置いてあります^_^

片っ端からもらいましょう！

カタログには楽器の情報や夢が詰まっています（笑）

勿論今はインターネットで色々調べられますので、活用していくのも良いですね◎

以上、楽器に詳しくなるための方法をいくつか提案させていただきました。

参考にして頂ければ幸いです♪

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売れっ子ミュージシャンも実践しているウォームアップエクササイズ

今回はどちらかというと中～上級者向けの記事かもしれませんが、とても役立つので公開したいと思います(^^♪



今回ご紹介するエクササイズはこちら！

私の好きなドラマーの一人である佐野康夫さんが
師である古澤良治郎氏から教わった内容の一つで、
佐野さんのクリニック等でも紹介されることがあります。


そこから私の解釈やアレンジを加えました。





所謂チェンジアップの練習ですが、

3,5,7連符がオルタネートの手順、

16分音符,6連符,32分音符がパラディドル、ダブルパラディドル、トリプルパラディドルとなっています。



右、左と交互に頭の音符にアクセントが付くのが特徴です！




各音符の頭にアクセント、それ以外の音はノーアクセントで練習しましょう。

この時注意したいのがアクセント時はキチンとスティックを振り、軌道が弧を描くこと。面で叩いてしまわないように気を付けましょう。


そうすることによってヌケの良いサウンドに近づきますし、スピードアップもしやすくなっていきます。


そして、ノーアクセントの音が大きくなり過ぎないようにしましょう。
タップストロークが綺麗に叩けると良いですね♪



慣れたらフェザリングを加えたり、タムやシンバル等にオーケストレーションしていきましょう(^^)/





ここから更にアレンジを加えて、
各音符のアクセントの場所を換えて、後ろにアクセントを付け
パラディドル系はインワードパラディドルにする等、
また違った練習にもしていけますね！



練習台でもドラムセットでも行える良いエクササイズです♪



こういったものは沢山ありますので、またブログやレッスンでお伝えしていきます。
参考にして頂ければ幸いです(^^♪



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◯◯でシンバルを守りましょう！

今回は楽器メンテナンスに関するお話。

ライブハウスやリハーサルスタジオ、ミュージックバー等
ドラムセットが置いてある場所で、
時々このようなシンバルを見かけたことはありませんか?

これは鍵穴のような形なことから「キーホール」と言って、
シンバルの穴の部分とシンバルスタンドの金属部分が擦れることによって
穴が広がってしまっている現象なんですね。

メンテナンスが行き届いてない場所でよく見かけます(^^;)

この状態ですと音も変わってしまいますし、
シンバルスタンドに乗せた時に意図しない角度がついてしまいます。

シンバルとスタンドの金属が擦れてノイズが出てしまいますし、
更に穴も広がってしまいます。。

これを防ぐためにスタンドにはシンバルスリーブを取り付けること！

こちらがシンバルスリーブを付けていない状態。

シンバルスリーブを付けるとこのようになります。

通常シンバルスタンド購入時は付いているはずですが、
使用しているうちに破損したり、

シンバルの交換時に取り外してしまったりして、
そのままシンバルを乗せて使ってしまっているケースがあるように思われます。

せっかくのクラッシュシンバルやライドシンバルが傷付くのを見るのは忍びない！

違和感を感じたらセッティング時に確認しておきましょう♪

因みに私の好きなドラマーの一人佐野康夫さんは、セッションライブをするときは
普段からシンバルスリーブを持ち歩いていて、

ライブハウスのシンバルスタンドを使う際に
シンバルスリーブが付いてなかったり破損していたら、
そのままライブハウスに寄付されています。

「そんなに高い物じゃないし、また次も使わせてもらうかもしれないからね～♪」

とはご本人談。

何と素敵なお人柄。

音楽愛と楽器愛に溢れていらっしゃいます！

今回は↓
シンバルスリーブ
に関してでした♪

細かい部分ですが結構大事なところですよね！

シンバルスリーブにも色々な種類があるので、

これを機に少し意識してみると

発見があって面白いかもしれません(^^)

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上達のための量と質について

私が上京して音楽学校に入って、習った先生に最初に言われたのが
「1万時間の法則」
についてでした。


物事をプロフェッショナルのレベルで体得するのにかかる時間のことです。

アマチュア500時間
セミプロ1500時間
プロ10000時間
だぞと言われたものです。

因みに1万時間に到達するには1日8時間の練習を3年間毎日続けても足りません(;'∀')


新人のサラリーマンが就職して、まずは3年一つの所で頑張れと言われるのもこのあたりが理由の一つではないでしょうか。

↓
マルコム・グラッドウェルの書籍
で今でこそ有名な説かもしれませんが、当時初めて聞いた私は「そうなのかー！」と焦って沢山練習したものでした。


練習→「繰り返し」は脳の神経回路を高速かつ正確にすることから、スキルを伸ばすための効果的な方法であることは間違いありません。




では1万時間取り組めば何でも良いのか、プロフェッショナルになれるのか？
ということで、当然そんなことはなく、、


一万時間の法則とは

どの分野でも超一流のエキスパートはみな、スキルを磨き上げる練習に最低1万時間を費やしたという科学上の発見

を指します。




つい
「1万時間の練習をすれば、魔法のようにうまく出来るようになる」
と誤解しがちですが、実際は才能を開発していくための大まかな目安でしかないということです。




ここで大事なメッセージは

「非凡な才能は生まれつきではなく、深い練習をすれば誰でも開発出来る」

という真実を強調しているんですね。







最低限の量は必須ですが、それも質の高い練習であってこそ。

優れたプレイヤーは数分の練習でも自分を上達させることが出来ます。
言い方を変えると、数分の練習を繰り返しただけでも、その数分前の自分との微妙な変化に気付くことが出来るのが良いプレイヤーということになります。



具体的な練習法に関してはブログやレッスンでも提示していきますが、今回は
『練習する上で頭に入れておくと良いポイント』
について挙げてみます(^^)

1.今の自分が出来ていないことや、足りていないものを探す(結果長所も伸びます)

2.出来ない原因等を考える

3.それを元に練習の目的と目標を決める。ここで気を付けたいポイントは短い時間内でもクリア出来そうな目標にすること。焦点は一つに絞り問題点は一つずつクリアしていく(一辺にやろうとしない)

4.選んだ練習の手段が、その目標に達するための良い手段か、最良の手段と言えるか考える。

5.練習してみて自分に何か変化は起きたか「敏感」に感じ取る。

6.ある程度続けても変化が感じられない場合、それよりも更に効率の良い手段を考え出す。そしてそれを実行して変化が現れるまで続ける。

7.変化を受け止め、自分が成長・上達したことを認識する。

8.また次の練習目標を決め、それに取りかかる。




人によっては当たり前のことかもしれませんが、練習が上手い人はこのプロセスを意識的にか、無意識で短時間で繰り返しています。

そして超大事なことですが

自分が上達していることを実感することが大切です！



何かをトライする前の自分と、トライした後の自分の違いに気付くこと、
練習が終わった後に
「確実に一歩前進出来た」
と実感することが大切です。


自分が成長していると認識出来ればそれが自信になって、次に進むための原動力となります。



こういうことが楽しみやモチベーションや向上心を更に高め
「まだまだ自分は成長する」
「更に先を目指せる」
と音楽に対して前向きに考えられる要因の一つとなります。


こういう心境を維持することが普段の生活の中でも凄く大事。
というか、楽しくなくて成長も実感出来なければ1万時間以上も出来ませんって！(笑)



これって楽器以外にも言えることではないでしょうか(^^)/



結論、上達には量も質も大事♪
継続していけるように自分の心地よい状態を維持するともっと良し♪

上達に終わりはありませんが、そこが楽しい所でもありますよね！

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